La novela, la primera de Óscar Gual (Almassora en 1976), está estructurada a través de una serie de capítulos que gozan de cierta autonomía y que funcionan como breves episodios. Historia alucinada que va más allá del relato punk hecho hasta la fecha en la narrativa española. No hablaré de influencias, todos las detectareis sobre la marcha. En cada episodio el autor corta un órgano al más estilo Tarantino reflexionando sobre la identidad humana, la música, (con recuerdos a los cassettes doble pletina y las cintas vírgenes TDK), el guión de una película que no se rodará, un programa informático, las nuevas formas de arte, un videojuego, una clásica novela negra o una delirante y paranoica fantasía. Especialmente interesante es la reflexión de nuevas formas de arte adaptadas a la nueva realidad social (bioarte, ahí está ese chimpacé al que se le ha enseñado  inyectarse heroína y al que de pronto se le va a negar sumnistro). Tan sorprendente como necesaria, “Cut and roll” es una novela cachonda de difícil lectura por la sucesión de estilos. Frescura narrativa, surrealismo adictivo y mala leche. “La curiosidad te lleva a encontrar cosas no deseadas, y encontrar cosas no deseadas te lleva a desear cosas curiosas”.

El cine francés es único a la hora de describir la crisis existencial del hombre (de mediana edad) moderno: si “El empleo del tiempo” convertía un asesinato psicópata en un mero trámite para mantener un simulacro de statuo quo, “Dejad de quererme” tiene toda una primera mitad que podría pasar por una versión sofisticada de “Un día de furia”. La única diferencia es que el protagonista del filme de Joel Schumacher reaccionaba contra la sociedad en pleno, mientras que el personaje de Albert Dupontel dirige su rabia autodestructiva hacia su entorno más inmediato. Una cena será el escenario elegido para romper, de manera espectacular, todo vínculo emotivo con sus familiares y amigos: si “Dejad de quererme” se hubiera quedado ahí, sería una película tan perturbadora como memorable.

Por supuesto, las intenciones de Becker iban por otro lado: la segunda parte de esta cinta bicéfala, escrita por el guionista invitado François d’Epenoux (autor de la novela en que se basa), es un retorno a los ambientes bucólicos y la poética pausada que caracterizan al director francés. Así, “Dejad de quererme” no es un drástico cambio de sentido, sino un mero desvío temporal: una vez que las razones del protagonista comienzan a tener una (insuficiente) explicación, queda claro que estamos ante un melodrama ejemplar, pero melodrama al fin y al cabo. Quizá lo más interesante sea ver a Dupontel, cómico de gran éxito en Francia, logrando hacer creíble un personaje tan inusual: si alguna vez hay remake norteamericano, que le den su papel a Will Ferrell y que, por favor, no se empeñen en buscarle motivos mundanos a su día de furia.

Los CSS tienen un nombre cachondo (Cansei de Ser Sexy), un punto exótico (son de Sao Paulo) y una show-front-woman (Lovefoxx) que lo da todo. Fueron uno de los máximos exponentes del rollo flúor y lo que es evidente es que todos hemos bailado “Let´s make love and listen Death form above”, extraído de su homónimo debut. Los CSS están de vuelta y, por supuesto, los fans encantados. “Rate is dead (rage)” fue el single adelanto disponible en su página web y por la cara. Aunque siguen sonando a CSS, guitarras más rockeras sorprenden de manera agradable y Lovefoxx canta, pero canta de verdad. “Left behind” primer single oficial es un a muestra de ello. “I fly” al estilo Pixies o la ya clásica para fans “Jager yoga” son recomendables, pero si hay un tema nominado a canción del verano, ese es el festivo e infeccioso “Move”. La producción del bajista antes batería Adriano Cintra se deja notar con un sonido más cuidado y lo que es evidente es que hay vida después del new rave.

PRIMAL SCREAM
Beautiful future (B-Unique / Warner)

Hablar de Primal Scream no tiene mérito, su background es más que conocido y sus discos “Screamadelica” y “XTRMNTR” venerados. “Beautiful future” es el título del noveno larga duración de los buenos de Primal Scream, que viene a suceder a su peor disco , “Riot city blues”. Este nuevo LP vendría a ser un popurrí de todo lo bueno que conocemos de los PS, es decir, dark, electro, soul y rock, todo ello empapado de Psicodelia.
“Can´t go back” primer single extraído de este Beautiful future” es contundente, masivo, un clásico corte de Gillespie y Co.  “I Love to hurt” en la que colabora Lovefoxx de CSS, “Beautiful future” o “The glory of love” son temas recomendables aunque si un tema destaca es “Zombie man” que nos transporta a 1994 en plena efervescencia psicodélica.
Destacar la producción de Björn Yttling del trío sueco Peter, Björn and John autor de la canción del silbido, y de Paul Epworth (Bloc Party) así como la colaboración de Josh Homme en estos once temazos psicodélicos.

VV.AA.
Tabloid Hell by Digitalism (Kitsuné )

Allá por el 2006, Kitsuné, la disquera más marca-tendencias, confió en unos desconocidos Digitalism y les editó su single debut “Idealistic”, de ahí al estrellato. Este dúo de Hamburgo tiene un live demoledor y son autores de temas como “Pogo” o “Júpiter room” que plasmaron en su debut “Idealism”. Dos años más tarde devuelven el favor a Kitsuné y compilan y mezclan la primera entrega del nuevo producto creado por el sello franco-japonés, la serie Tabloid Hell, que viene cargadita de electro, disco-fashion y rave.
25 trallazos componen este recopilatorio, desde The Kills con su “Cheap  and cheerful o Hercules and Love Affair con “Raise me up” hasta Holy Ghost con su “Hold on” o Calvin Harris con su famoso “In colours”. Todos ellos recomendables ya que nos dan la oportunidad de escuchar remixes exclusivos que sirven de referencia para saber qué sonará en los próximos meses. Recomendable 100% para hipsters e insaciables rastreadores de un nuevo proyecto al que adorar.

Con solo tres películas en su haber, Neil Marshall se ha convertido en una suerte de Oasis cinematográfico: el emblema de una nueva (y joven) forma de hacer las cosas en Gran Bretaña, sin nada parecido a un discurso autoral, pero con esa clase de carisma proletario al que resulta tan difícil resistirse. Su primera película, “Dog soldiers”, no era tan brillante como “Definitely maybe”, pero poseía la misma energía salvaje del debutante dispuesto a comerse el mundo. “The descent” y “(What’s the story) Morning Glory?” fueron rotundas confirmaciones, por lo que “Doomsday” no tiene más remedio que ser el “Be here now” de Marshall: su egotrip, su sinfonía desmesurada, su manera de tirar de casa por la ventana ahora que, por fin, puede permitírselo. Este crítico siempre ha sentido un cariño especial por el tsunami psicodélico (en el sentido más amplio de la palabra) de Noel Gallagher, así que no le queda más remedio que reivindicar un trabajo desorbitado y algo fallido que, no obstante, podría considerarse también como el “Planet Terror” de su director. “Doomsday” no oculta su condición de gigantesca celebración de casi todo lo que vale la pena en esta vida: “2000 AD”, el maestro Carpenter, el punk, la segunda parte de “Mad Max”, la ficción posapocalíptica, las chicas armadas con hachas… El resultado es un totum revolutum que resulta algo indigesto si se observa desde la distancia, pero al que ningún aficionado al fantástico con buen gusto le podría poner demasiados peros. No es un placer culpable, sino un placer sin más: ver a Malcom McDowell interpretando a Sean Connery interpretando a Kurtz, por ejemplo, constituye por sí sola una razón para pagar la entrada. Cabe esperar que Marshall sepa reponerse de esta borrachera y no siga el camino de autoindulgencia que caracterizó a los Oasis post-“Be here now”: ahora mismo, y aún con los defectos de su última obra, es el cineasta vivo más cool de Inglaterra.

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“Classics”, su segundo álbum, los situó en el mapa indie nortemaricano allá por el 2006, con el reconocimiento de crítica y público. Dos años más tarde llega el tercer disco del dúo de Nueva York, formado por Mike “Snak” Stroud a la guitarra y el multiinstumentalista Evan “E*Vax” Mast, que se desenvuelve a las mil maravillas a través de bases electrónicas, teclados precisos y afilados riffs de guitarra para dar forma a un galáctico paisaje musical. Una muestra de ello es su single “Shiller”. Hay que destacar también “Mi viejo”, con un tinte western, la futurista “Mirando”, la más bailable “Sempi” o la espacial “Black Heroes”, corte que cierra el álbum. Después de haber sido invitados a tocar con Daft Punk o Franz Ferdinand y remezclados por Cut Copy o Animal Collective despejan todo tipo de dudas con estos trece trallazos instrumentales.

Cut Copy
In Ghost Colours (Modular)

Dan Whitford, Tim Hoey y Mitchell Scotttralia son Cut Copy, vienen de Melbourne y están fichados por uno de los sellos más interesantes del momento, Modular Records. Mucho ha llovido desde la publicación de su aclamado debut “Bright Like Neon Love”, ahora están de vuelta con “In Ghost Colours”, demostrando que son capaces de mezclar el indie-rock y la psicodelia con sintetizadores ochenteros y ritmos electrónicos. El single “Lights and Music” es un temazo de lo más divertido y te engancha a la primera. Pero hay mucho más que destacar, “Feel the Love”, “Far Away”, “Hearts on Fire”  y el resto de cortes que componen este disco son una gozada musical. Quizás el único pero sería el uso de interludios e intros que restan dinamismo a este discazo en mayúsculas. Lo que es evidente es que este “In Ghost Colours” estará en el podio de mejores discos del 2008.

Plants and Animals
Parc Avenue (Secret city)

A veces, sin saber cómo, llega a tus manos un disco que no conoces de nada y te atrapa, pues este es uno de esos. Plants and Animals son un trío de Montreal y “Parc Avenue” su debut discográfico. Lo suyo es el folk-rock  y la originalidad y experimentación sus cartas de presentación. El piano, las cuerdas y la orquestación se funden con unas letras que hablan de la madurez o el amor. “Bye Bye Bye”, pieza que abre el disco, es un fiel retrato de cuáles son sus intenciones, una balada intimista, barroca. Y luego están la agridulce “Feedback in the Field” o la rockera “New Kind of Love” y temas como la bailable “Mercy” o en la onda 70’s como “Keep it Real”. Si buscas un disco con el que poder perderte en medio del ajetreo estival, Plants and Animals es una apuesta segura.

Una de las posesiones más preciadas de Hancock, superhéroe sin memoria ni código ético aparente, son dos entradas para el “Frankenstein” de Boris Karloff. Resulta del todo apropiado, porque esta es una película construida a base de jirones, de fragmentos de todas las versiones previas de un guión original (titulado “Tonight, he comes” y descrito como una parodia poco afilada de Superman) que empezó a dar vueltas por Hollywood hace más de diez años. Así, el “Hancock” que ahora nos llega presenta una indefinición tonal más que considerable: lo que empieza como una comedia ácida pasa de repente a ser un drama de personajes, una sitcom, un thriller fantástico, una alegoría inteligente e incluso una película de catástrofes. Los abruptos saltos genéricos que hacen las veces de costuras en este monstruo de Frankenstein superheroico son, sin ninguna duda, su talón de Aquiles: si “Hancock” se hubiera conformado con ser la versión de “Arrested development” con poderes que prometían sus trailers, estaríamos hablando de la película del verano.

En “La sombra del reino”, el director Peter Berg introdujo sutiles referencias a los cómics Marvel que, a la postre, permitían que leyésemos la película como una suerte de hiperrealismo superheroico. Aquí vuelve a repetir la jugada, y con mucho acierto: la brillante secuencia de apertura acerca a “Hancock” a las propuestas que están realizando guionistas tan aventajados como Warren Ellis o Mark Millar. El problema es que Berg no se atreve a seguir con eso hasta sus últimas consecuencias y, en el decepcionante tercer acto, se deja llevar por algunas de las inercias que están impidiendo que el cine de supertipos entre en su edad adulta (el clímax en el hospital encajaría perfectamente en un “Spider-Man” de Sam Raimi). Todo el humor vitriólico de la premisa se evapora con su dramático final, pero ahí quedan ideas tan magistrales como que la única diferencia entre lacra social y héroe salvador es una buena campaña de RRPP, o interpretaciones tan memorables como la de ese Will Smith que, desde ya mismo, puede ser considerado como la mayor estrella cinematográfica de nuestro tiempo.

Emilio Lascanotegui (Uruguay 1887-Buenos Aires 1966), decidió ser un día el Vizconde Lascano Tegui y jugar a un tipo de literatura tardomodernista que hoy día podemos etiquetar de freak, o no etiquetar de nada y sencillamente degustar desde las mismas estanterías en las que depositan sus páginas Oliverio Girondo o Roberto Arlt.

De Lascano se conservan muchas obras singulares e inclasificables, pero también el recuerdo de otras perdidas en extrañas circunstancias lo que aumenta su bien ganada leyenda de personaje que se inventó a si mimo. Sin embargo, lo más sorprendente es que quienes le han estudiado han logrado corroborar casi todos los detalles de tan fantástica biografía y erudita personalidad. Leer para creer.

“De la elegancia mientras se duerme” es el diario de un asesino incruento, cruelmente refinado, decadentista, exquisito artífice que pudo compartir veladas con Picasso, Modigliani, Apollinaire o el propio Vizconde que pululó entre ellos. Azarosa, astillada, asfixiante a ratos… toda la novela, desarrollada con los tópicos del subgénero de formación, no es sinó una charada que nos prepara para el macabro final entre fetichismos y leyendas urbanas de final de siglo. La elegancia entendida como puro vicio y camuflada con el falso candor del que vive fascinado por su época.

El superéxito del primer “Shrek” sentó un precedente algo dañino en la división animada de su productora, que desde entonces se empeñó en hacer fotocopias cada vez menos eficaces de esa fórmula (humor referencial para los padres + moraleja disneyiana algo disimulada para los niños) que tan bien le fue al ogro verde. Uno de los peores ejemplos de esta estrategia fue “El espantatiburones” (2004), espantosa aventura bajo el mar en la que, no obstante, se puede encontrar el germen de “Kung Fu Panda”: no solamente porque en su reparto de voces coincidían también Jack Black y Angelina Jolie, sino porque su arco argumental, basado en el pez fuera del agua, funciona bastante mejor en la China mítica que en el fondo del océano. Así, “Kung Fu Panda”, con sus gags basados en los personajes antes que en el codazo cómplice al espectador adulto, se perfila como la mejor peli de animación DreamWorks desde “Antz” (1998).

El secreto de su triunfo no hay que buscarlo en la rutinaria trama ni en unos chistes simplemente correctos, sino en el espíritu de diversión honesta y transparente que recorre el conjunto, desde unos créditos iniciales en dos dimensiones que recuerdan al “Samurai Jack” de Tratakovsky hasta una batalla final espectacularmente coreografiada (de hecho, “Kung Fu Panda” tiene algunas de las mejores peleas de los últimos tiempos, independientemente de que estén protagonizadas por animales). Tampoco hay que pasar por alto el poder de los pequeños detalles, ya sea en forma de poesía digital (la muerte del maestro Oogway alcanza un nivel de sutileza y brillantez que creíamos patrimonio exclusivo de Pixar) o a través de unas voces increíblemente acertadas: Black da todo un recital como el panda protagonista, pero son Dustin Hoffman e Ian McShane los que verdaderamente acaban robando la función.

“Með suð í eyrum við spilum endalaust”, título impronunciable donde los haya, es el quinto álbum de los islandeses Sìgur Ròs. Los buenos de Reykjavic han creado el álbum más alegre, exuberante y, por qué no, accesible de su carrera.  Dejaron caer en su web y por la patilla “Gobbledigook”, un tema espectacular pero que seguía un camino distinto al marcado en sus anteriores trabajos, donde la épica, los pianos flotantes y la orquestación se  fundían  creando la banda sonora de un cuento de hadas en el país del hielo, Islandia.
A priori lo que podía suponer un cambio creativo no es más que una evolución natural de una banda in crescendo. Un claro ejemplo de ello es el primer single oficial “Festival”, presentado en Reykjavic con una invitada de excepción, Björk, a la batería. Es un tema delicado, sencillo y hermoso, en definitiva son Sigur Rós. Destacan también en esa línea “Ara Bátur” y como anécdota su primera canción en inglés, “All alright”.
Sìgur Rós son más que una banda, sus directos apoteósicos  son un billete para viajar a otra dimensión. Y la portada del disco lo dice todo. Se están liberando.

DIRTY PRETTY THINGS
Romance at short notice (Mercury)

Es prácticamente imposible hacer un review de DPT sin hablar del background de su frontman, pero lo intentaré. Carlos Barat & Co están de vuelta, “Romance at Short Notice” es el título del siempre difícil segundo álbum. Después del discazo urgente y efectivo que fue “Waterloo to Anywhere”, una muestra de ello es “Bang Bang You´re Dead”, se esperaba mucho de este “Romance at Short Notice”, y aunque me duela reconocerlo es un disco que le falta chispa, fuerza e intensidad. El primer single oficial es “Tired of England”, no está mal, con una letra muy lograda pero que no acaba de enganchar. Entre los temas más interesantes hay que destacar “Kicks of Consumption” o la más alegre y pegadiza “Plastic Hearets”. Quizás decepcione, pero prefiero pensar que es un lapsus creativo y esperar el nuevo disco de DPT o, quién sabe, de los Libertines. Ya decía yo que era imposible no mencionar a The Libertines.

BLACK KIDS
Partie Traumatic (Columbia)

Black Kids es una banda de indie-rock de Jacksonville, Florida y “    Partie Traumatic” su esperado debut discográfico en este 2008. Los Black Kids están en boca de todos los medios de comunicación, sin nada publicado oficialmente se hicieron el Vice Tour con los roqueros Sons and Daughters y tienen las letras más cachondas de la escena indie, alucinantes. “I’m not gonna…” es su single de debut, aunque sea un tema más que conocido ya que forma parte del EP “Wizzards of Ahhhs” de agosto de 2007, que regalaron a todo el mundo vía Myspace. Es un tema divertido, que no tiene pelos en la lengua y que lo deja claro desde el principio mientras cantan “You are the girl that I’ve been dreaming of ever since I was a little girl”. El segundo single del disco, otra gozada, es “Hurricane Jane”, un temazo con todas las de la ley. ¿Otros temas recomendables?, pues todos, la verdad es que está lleno de jitazos. En definitiva, un disco fresco, divertido y juvenil, para disfrute de las masas indies.

En el cine de Ki-duk, la clave suele estar en el margen, en la anécdota cargada de sentido. Así, “Aliento” contiene un insospechado gimmick que (quién lo iba a decir) acerca al director de “Samaritan girl” a los perversos juegos autorales de Alfred Hitchcock: el propio Ki-duk se reserva un pequeño papel, el del jefe de seguridad de la cárcel donde se desarrolla la mayor parte de la acción, que le permite reflexionar sobre su condición de demiurgo de romances al límite (posible leitmotiv de su filmografía). Cuando Jang Jin, el preso condenado a muerte que ha perdido las ganas de comunicarse; y Yeon, la esposa incomunicada, se reúnen en la sala de visitas para lamerse sus heridas, es el propio Kim Ki-duk (o, más concretamente, su reflejo en la pantalla de un ordenador) quien maneja la videocámara de vigilancia, eligiendo los encuadres y decidiendo en qué momento pulsar el botón para que el guarda separe a los amantes. Un juego perverso, situado en el centro de un drama psicosexual áspero y gélido como la pared de una celda.

Todo el que considerase que el simbolismo del cineasta se había rendido a la obviedad estaba equivocado: “Aliento” es una película lo suficientemente esquiva y abierta como para generar debate y abrir diversos frentes en torno a su poética extraña. La pareja protagonista resulta increíblemente convincente en la piel de dos animales heridos a punto de asfixiarse, que solo consiguen tomar aliento a través del simulacro (las canciones ambientadas en diversas estaciones del año, que nos acercan tanto al musical como a la anterior “Primavera, verano, otoño, invierno… y primavera”). Tan escueta en su duración como densa en su contenido, “Aliento” está lejos de ser una película cómoda y accesible, pero sabe recompensar con creces a los que se dejen llevar por ella hasta el final.

¿Cuándo y como surgió la idea de crear Just4fun?
Just4fun fue una idea espontánea, una tarde de verano. Una de nosotras siempre va con leggings y la otra está loca por los estampados. Así que se juntaron las dos ideas y muchas ganas de tener un proyecto propio.

El amor y el respecto como ingrediente extra de vuestras producciones, tal y como afirmáis en la web, ¿es algo que teníais claro desde el principio?
No, surgió poco a poco. Lo que sí teníamos claro es que Just4fun no solo sería una marca de moda, queríamos darle alma al proyecto, y eso nos llevo hasta  ARED y ellas nos llevaron a otra asociación. Lo que más nos gusta de nuestro concepto de producción social responsable es que es un beneficio mutuo. De verdad se nota cuando alguien hace el trabajo con ganas y cariño.

La marca cuenta con algunas entidades que suelen tener pocas subvenciones, ¿os resultó difícil localizar esas asociaciones que quisieran colaborar con vosotras?
Nuestra marca no cuenta con la ayuda de ninguna entidad. Es totalmente autosuficiente al igual que las entidades que colaboran con nosotras. Las entidades con las que trabajamos no buscan la ayuda económica externa como fuente principal de ingresos sino que optan por la inserción social de sus componentes a través del trabajo remunerado. Este espíritu emprendedor e independiente es el que nos gusta. Y sí, nos costó encontrarlas.

Además vosotras mismas sois quienes buscáis las fábricas, los proveedores de materias y demás, ¿es un proceso muy complicado?
No, pues nuestra forma de trabajo no es la de una empresa convencional. No tratamos con fabricas ni proveedores al uso habitual. Nuestros tejidos vienen de muy distintas fuentes y las producciones son a escala humana, conocemos a todas las manos que están detrás de nuestra producción.

Leggins, monos, vestidos y pañuelos son las principales prendas de vuestra marca, ¿pensáis incorporar nuevos ítems más adelante? Como por ejemplo, ¿prendas masculinas?
Sí, la idea es ir incorporando más ítems. ¿Nos preguntas por prendas masculinas? ¡Pero si ya las tenemos! ¡Los leggings! Ahora solo falta que los chicos se los pongan.

Creáis colecciones de edición limitada ya que no creéis en las grandes producciones, ¿intentáis implantar un nuevo sistema de producción en la moda?
No, solo buscamos una manera de disfrutar con lo que hacemos, nuestras limitaciones y ser conscientes de nuestra realidad nos ha llevado a buscar un camino alternativo para poder hacer realmente lo que nos gusta.

Este sistema, ¿significa que es algo impredecible cada cuánto habrá una nueva colección o respectaréis las temporadas que dicta el sistema de la moda?
No, de hecho lanzamos la marca en abril, a mitad de temporada. Desde el principio quisimos hacer un producto totalmente atemporal que nos diese independencia para presentar las colecciones de una forma continua. Al final sólo buscamos ser fieles a nuestro nombre.

Presentación de Just4fun el jueves 3 de julio en Blow. Doctor Dou, 11, Barcelona. De 18:00h a 21:00h. Launch party en Le Swing Café. Notariat, 7, Barcelona. De 21:00h a 02:00h. DJs invitados: Silvia Prada y Rotten Bert & Dirty Ernie (Berlín).

El clímax final de la segunda parte de “Regreso al futuro” demostró que, en el cine, la paradoja temporal (o su simple posibilidad) puede ser el recurso más divertido para practicar el metalenguaje. No resulta difícil detectar los ecos de esa obra maestra de Robert Zemeckis en la premisa de “Los Cronocrímenes” (un hombre que acaba de viajar al pasado por accidente se ve a sí mismo en el jardín de su casa), pero quizá esa sea una reflexión que surge a posteriori: no hay tiempo en estos compactos noventa y pico minutos para buscar referentes, más que nada porque estaremos viviendo una de las experiencias más originales y absorbentes del año cinematográfico.

A lo largo de su ya intensa carrera, Vigalondo ha demostrado una capacidad pasmosa para convertir cualquier sesudo concepto de hard sci-fi (los universos paralelos, el hiperrealismo futurista) en algo tremendamente divertido y chispeante. “Los Cronocrímenes” es la culminación de esa tendencia: un tren eléctrico que descubre mil y una posibilidades para recorrer (de formas progresivamente más asombrosas) el reducido espacio que tiene para circular. Es esta una de esas raras películas que ya generan iconos (¡la momia rosa!) antes de ser estrenadas, o que son capaces de moverse entre géneros y tonos antitéticos con la soltura de un equilibrista sobre arenas movedizas. Resulta muy difícil resistir la tentación de perderse en el bosque (y en el tiempo) con Karra Elejalde y Bárbara Goenaga, mucho más cuando el resultado es una cinta excepcional, que solo sigue sus propias reglas y confía en sí misma lo suficiente como para reservarse una auténtica bomba para el ultimísimo minuto.

En el lado de las féminas destacaron artistas  como Camille, uno de los  platos fuertes de esta edición, así como Chloe, Yelle, Goldfrapp, Róisín Murphy, The Dulocks y Northern State entre otras propuestas. Por su lado el ¨bastardismo musical¨ agrupó a varios artistas audiovisuales que recuperan el pasado para cambiar nuestra percepción del cine, la imagen y la música. Su trabajo lo pudimos ver dentro de SonarMática.

El jueves a las 16:00h Little Dragon  y su vocalista Yukimi Nagamo trajeron al Village aires de jazz con sonidos frescos de soul y pop. Su música es una juxataposición entre lo tradicional y lo tecnológico. Música de ensueño para viajar a lugares llenos de posibilidades. Poco más tarde “Los Impresentables”, como se llamaron ellos mismos en su actuación, dieron a la tarde del jueves un poco más de ritmo. “Los Impresentables¨ es el nombre del disco de Los Chacho Brodas, el proyecto de DJ Griffin, que apareció acompañado a los platos y samples  por Kiroge. Al frente estaba Aqeel, Mbaka y Tremendo, con su propio estilo de hip hop español. A eso de las 19:00h.  Christopher d Ashley presentó su album ¨Cruel Romantics¨. Acompañado de su banda ofreció un oscuro viaje de ambiente electro, melódico y oscuro que recordó por momentos la era de New Order y Depeche Mode. Tienen temas buenos y de momento no son uno de los grupos mimados de la NME (la apariencia de los músicos más bien huye de la estética de grupo hype), pero el directo solo sirvió para hacer algún bailoteo y poco más.
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Es posible que aún sea pronto para que nos demos cuenta, pero el primer vuelo de Iron Man en la gran pantalla fue el inicio de algo grande: por primera vez, una gran producción basada en un superhéroe relativamente desconocido por el gran público se convertía en un éxito rotundo. La película de Jon Favreau supuso, también, la primera piedra de una nueva y ambiciosa estrategia por parte de Marvel, empeñada en convertir sus adaptaciones cinematográficas en una versión más grande que la vida de su complejo universo tebeístico (ahí estaba, por ejemplo, ese Nick Furia anunciando lo que vendrá al final de los créditos). El siguiente paso era crítico y tremendamente peligroso: resetear uno de los grandes iconos en la memoria del aficionado, es decir, volver a estrenar un “Hulk” sin tener en cuenta la adaptación que Ang Lee filmó hace ya cinco años. Por fortuna, Marvel ha vuelto a dar en el clavo: es posible que “El increíble Hulk” no sea esa película de superhéroes definitiva que el estudio anhela, pero es un paso de gigante (verde) en la dirección adecuada.

Conviene dejar claro que esta nueva versión no supone una renovación radical de la que vimos en 2003, sino una suerte de secuela apócrifa en la que el director Louis Leterrier y el actor (¡y co-guionista!) Edward Norton pueden permitirse el lujo de resumir el origen del personaje en unos deliciosos créditos iniciales. Ambos manejan los mismos ingredientes que Lee en su blockbuster de autor, pero la mezcla es un poco distinta: se nota que Norton quiere profundizar en el arquetipo del doble oscuro, pero Leterrier y su soberbio olfato para la acción y el gran espectáculo acaban ganándole la partida. Para hacernos una idea, “El increíble Hulk” concluye con un sensacional festival de mamporros entre dos brutotes digitales, que utilizan Nueva York como su ring particular. Presencias secundarias de superlujo, guiños tamaño Abominación a los marvelitas y un epílogo prometedor acaban dando forma a un elegante blockbuster veraniego, aunque a la Casa de las Ideas aún le falte riesgo y locura para dar con la Gran Película Marvelita.

Wolf Parade son una banda indie-rock de Canadá con base en Montreal. Están en Sub Pop Records, el sello del Modest Mouse Isaac Brock y “At mount zoomer” es su segundo larga duración. La banda está dirigida por dos bestias creativas llamadas Spencer Krug (también de los Sunset Rubdown y Frog Eyes) y Dan Boeckner (de los Handsome Furs) que combinan dos estilos opuestos de componer, el resultado: un synth-power rock de belleza primitiva y caótica  composición.
Después de su anárquico debut, “Apologies to the Queen Mary” (2006), que venía cargadito de folk, pop y rock, en este “At mount zoomer” exploran nuevos horizontes, cosa que se agradece, suenan más oscuros, por momentos hasta desagradables, y como dirían ellos mismos, sin singles accesibles y facilones. “Soldier´s Grin”, en una línea new-wave, “Call it ritual”, tema con el cual parecen querer desahogarse a base de guitarras y coros rabiosos, o “Fine Young Cannibals”, que suena a Roxy Music, son una muestra de lo que contiene este álbum, pero ante todo destacan los once minutos de descontrol de “Kissing the beehive”, indescriptible.
Wolf Parade han parido un disco difícil de clasifica y grabado la mitad de los temas en la iglesia-estudio de los Arcade Fire.  Y ahora me pregunto, ¿quién dijo que segundas partes nunca son buenas?

THE LONG BLONDES
Copules (Rough Trade)

En 2006 The Long Blondes, un quinteto de Sheffield con mucha actitud ochentera, descaro y una front-woman, Kate Jackson, con mucho charm, fueron proclamados por críticos musicales como la “Best Unsigned Band in Britain”. Plasmaron su estilo en su debut “Someone to Drive you Home” y un claro ejemplo de su actitud chic-electro es el tema “Weekend without Makeup”. Dos años más tarde nos presentan “Couples”, producido por el DJ/productor Erol Alkan, que ha sido capaz de reinventar a The Long Blondes y darles una nueva oportunidad de convertirse en la mejor banda de pop de UK. Parece que el “maquillador” Alkan ha conseguido que los de Sheffield pongan los pies en la tierra y se olviden de ese glamour con olor a los 80. En “Couples” consiguen mezclar a la perfección el pop con los synths más molones, y las melodías limpias con coros infecciosos. “Century”, primer single de “Couples”, o “Round the hairpin” son temas minimalistas y bailables, en la línea de los Ladytron por ejemplo. “Too clever by half” están en el rollo de bandas como Glass Candy o Chromatics del sello Italians do it Better. Pero si un tema destaca, ese es “Here come the serious bit”. Si buscas sofisticación, estilo y descaro “Couples” será imprescindible en tu colección.

MYSTERY JETS
Twenty One (679 Records)

La responsabilidad que supone un segundo álbum después del  hype  de “Making dens” o la polémica en torno a la salida voluntaria o forzada de Henry Blaine, guitarra y padre de Blaine, cantante y principal compositor (aunque salga en los créditos de la mitad de las canciones de “Twenty one”) parecían que iban a poner en aprietos al ahora cuarteto de Eel Pie Island en Twickenham. Pero la cosa no es así, no sé si será coincidencia pero los Mystery Jets suenan más frescos que nunca y firman un álbum espectacular.
“Twenty one” es un soplo de aire fresco, inmediato y directo, un disco hecho por y para la juventud. Un claro ejemplo es “Hideway”, tema que abre el disco, con esas sirenas y sintetizadores que se mezclan entre sí, y en el que podemos apreciar la contribución de su productor, cómo no, Erol Alkan de nuevo. “Young love”, primer single oficial, es un temazo que habla de las complicaciones que surgen en una relación de una noche, un himno juvenil en el que colabora Laura Mailing. Aunque la gran sorpresa del disco es “Two doors down”, un hit directo, que bebe de los 80 en el que hay un claro guiño a Genesis. También destacan “Behind the bunhouse” o “Half in love with Elizabeth”.
“Twenty one” es un disco sin pretensiones, sencillo y sobre todo divertido. Un must con todas las de la ley.

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Scout Niblett (17:15 – Auditori): Desde que Emma Louis Niblett editó, en 2007, el magnífico “This fool can die now” (uno de los mejores álbumes del año pasado), no han sido pocos los críticos que la han catalogado como la nueva PJ Harvey y han afirmado que es la reencarnación de Kurt Cobain. Después de su concierto en el Auditori me lo creo. Ella (cantando y tocando la guitarra eléctrica), con la única compañía de un chico que tocaba la batería, consiguió ponernos a todos la piel de gallina y un nudo en la garganta durante toda la hora que duró el concierto. No fuimos pocos los que derramamos lágrimas con “Kiss”. El mejor concierto del Primavera Sound 2008.
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El texto teatral de Reginald Rose, excelentemente canalizado en 1957 por un director y una docena de actores en estado de gracia, ya se ha convertido casi en una situación típica, en algo que un crítico pedante podría calificar de relato mítico de nuestro tiempo, pero que quizá no sea otra cosa más que un cliché. Así, hemos visto recreaciones de “Doce hombres sin piedad” en los lugares más insospechados: aquel episodio de “Los Simpsons” en el que Homer votaba ‘inocente’ para poder pasar una semana gratis en un hotel, un especial de navidad de “Veronica Mars”, incluso una celebrada parodia de “Muchachada Nui” con Paris Hilton. A estas alturas, cabría preguntarse si queda algo que añadir sobre el texto original. El veterano director ruso Nikita Mikhalkov, ganador del Oscar a la mejor película extranjera en 1994 por “Quemado por el sol”, opina que sí, pero no ha optado por el camino fácil: su remake, “12”, es un áspero drama psicológico al que conviene acudir preparado para vivir una experiencia algo extenuante.

Quizá en un arrebato de megalomanía, Mikhalkov expande las deliberaciones del jurado hasta llegar casi a los 160 minutos (el original de Lumet duraba hora y media), por no hablar de sus traiciones manifiestas a esa fundamental y única regla no escrita de “Doce hombres sin piedad”: que la acción no abandone nunca la sala donde se reúnen los protagonistas. No obstante, pronto queda claro que la intención no es, ni mucho menos, la fidelidad absoluta al texto de Reginald Rose, sino otra muy distinta: Mikhalkov se establece sobre el lugar común para hablar de lo que realmente le interesa, es decir, de la actual situación de su país, donde el miedo al inmigrante (en este caso, checheno), el terrorismo, la política y la compleja psicología de los personajes acaban siendo los temas principales de este concierto de cámara. “12” no está exenta de polémica (algunos críticos rusos la han tachado de pura propaganda pro-Putin), pero es una prueba bastante sólida de que aún se puede encontrar vida más allá del cliché.

Holly Golightly & the Brokeoffs (16:00 – Auditori): Lejos queda ya esa chica que cantaba con el grupo garage Thee Headcoatees. Aunque ya se sabía que siendo en el Auditori la actuación sería tranquila, Holly Golightly (nombre de uno de los personajes más famoso de Truman Capote), provocó un bostezo general a la mayor parte del público con su folk/country. También hace falta decir y aclarar que no fue culpa suya sino que las pruebas de sonido de Portishead se alargaron demasiado con lo que empezó media hora tarde… Y más vale no hablar de los problemas que hubo después para ver a The Swell Season (un servidor, aunque le hacían mucha gracia, al final desistió).

Russian Red (17:00 – CD Drome): Lourdes Hernández y su banda tocaron sus canciones ante un gran número de público (ella parecía impresionada con la aclamación que tuvo), que respondió de buena manera. Pedazo de voz que tiene esta chica… Llega a ser inglesa y ya la tenemos como revelación folk del año en todo el mundo.

It’s Not Not (18:15 – Vice): El mejor concierto nacional (y uno de los diez mejores en general) del festival. Ellos mismos afirman que Les Savy Fav es unos de sus máximos referentes, así que no es de extrañar que Joel (cantante de It’s Not Not) sea el Tim Harrington de aquí (y en delgado, que si no se enfada). Adrenalina pura, ritmos post-punk, más tiempo bajo el escenario que sobre de él, tres micros rotos y un montón de fotógrafos intentando capturar cada salvajada del concierto. Magníficos.

The Felice Brothers (19:30 – CD Drome): Decir que son los nuevos The Band (grupo de Bob Dylan) no parece una locura tan grande sabiendo que el batería de The Band es uno de sus mayores fans y habiendo visto su directo en el escenario CD Drome. Magníficas canciones y magníficos músicos (muy simpáticos). Aunque sus álbums sean muy recientes, canciones como “Frankie’s Gun” suenan ya a clásicos de toda la vida.
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Pero antes de empezar a contaros una a una lo que dieron de sí las actuaciones del festival es justo que mencionemos antes un par de cosas, la primera es que tras el concierto de MGMT unos amigos decían que no irían a ver a Vampire Weekend porque olían que apestaban a hype. Decirles que se equivocaron, y mucho. Los muchachos lo hicieron pero que muy bien en el escenario Vice Jägermister. Todos botaron y todos coreamos los temas de su primer álbum y sobre todo nos volvimos locos, cómo no, con “A-Punk”. Pero ese escenario aún tenía otro as, Man Man. Seguramente la actuación más chalada, esquizofrénica del fin de semana, aunque tras tanta locura el combo estadounidense ejecutó de manera fantástica su también fantástico repertorio. Y por último el doble sabor de boca que nos quedó con Portishead: si el jueves, Gibbons y compañía nos recordaron lo geniales que llegaron a ser, el viernes nos quedamos con ganas de unas cuerdas ya que repitieron exactamente la misma actuación del día anterior, así que ¿para eso hicimos cola más de una hora y media?

JUEVES 29 DE MAYO

The Marzipan Man (18:00 – CD Drome). El mallorquín Jordi Herrera, cantante y guitarrista de Satellites, presentó su nuevo proyecto en el primer concierto (junto al de Tachenko) en el Fòrum este año. Empezaron un poco fríos, pero a partir de “Sometimes” entraron en calor añadiendo a su folk toques de psicodelia y rock energético (genuina simulación de acoplamiento con una flauta).

MGMT (19:30 – Rockdelux). Fue un error programar al grupo de moda del festival (con permiso de Vampire Weekend, a quienes hicieron un guiño desplegando una pancarta con su nombre que un espectador les lanzó) a las 19:30. El público aún no había entrado en calor para saltar y corear las psicodélicas canciones del grupo (que rápidamente se convierten en himnos). Esa psicodelia es, junto a su simpatía sobre el escenario, lo que hace que se desmarquen de la mayoría de hypes que año tras año protagonizan las revistas musicales y de tendencias (aunque el cantante, con su capa degradada, parece sacado de una de estas últimas). El final con “Kids” (esta vez ni ellos bajaron del escenario ni el público se subió a él) fue lo más animado del concierto, aunque tampoco consiguieron hacer bailar a más de unas veinte personas. Si MGMT siguen componiendo temazos (como los cuatro o cinco hits de “Oracular spectacular”) y ponen más energía en directo (la experiencia es muy importante, y ésta era su primera gran gira) no habrá que perderles de vista.

The Notwist (20:45 – Rockdelux). Fue una grata sorpresa ver como el grupo alemán, uno de los referentes de la indietrónica, aplicaba toques de krautrock y noise a sus dosis de pop sentimental (y sintético). El público, encantado con el concierto, no paró de bailar y corear las nuevas canciones de su último disco y los clásicos de discos como el aclamado “Neon golden”.

Health (21:30 – Vice Jägermeister): Health hicieron, sin duda, el concierto que se esperaba de Liars en el pasado Primavera Club. Los de Los Angeles son unos terroristas sonoros, y aunque a primera impresión parezca que improvisen en el escenario para hacer ruido sin ton ni son, la verdad es que tienen hasta el más pequeño acoplamiento calculadísimo, de forma que de entre el ruido van surgiendo los ritmos (el batería, una bestia) que te hacen bailar como un poseído. Un concierto corto, pero muy intenso. Bendito dolor de orejas.

Shipping News (22:45 – CD Drome): Un buen concierto para los amantes del post-hardcore atmosférico. Contundencia para dar cabezazos en el aire y un sonido excelente.

THE MARZIPAN MAN

MGMT

THE NOTWIST

Pese a ser un director probadamente ambicioso, Clooney ha esperado hasta su tercera película tras las cámaras para construirse un proyecto de vanidad, un traje hecho a medida que resalte sus dotes como director y protagonista. El Dodge Conolly de “Ella es el partido” es, sin duda, un personaje que el actor nació para interpretar: suficientemente convincente como capitán maduro de un equipo de gañanes que ve cómo una joven estrella universitaria (John Krasinski) le empieza a quitar protagonismo… y a su chica (Renée Zellweger, que pone su delicadeza al servicio de una reportera arquetípica de la screwball comedy). Entonces, ¿es esta la película que Clooney nació para dirigir? Desgraciadamente, no: de hecho, se queda un paso por detrás del esplendor de “Confesiones de una mente peligrosa” y “Buenas noches, y buena suerte”.

Puede que el problema sea, precisamente, que la estrella de la saga “Ocean’s” no decidiera dejar el guión en unas manos con más experiencia en esto de dirigir comedia: su carisma frente a la pantalla está tan bien sintonizado como siempre, pero su talento para orquestar gags no está a la altura. Eso sí: los fans de la versión norteamericana de “The office” se congratularán al ver la consagración definitiva de Krasinski, que convierte su pelea con Dodge Conolly en un recital de humor físico increíblemente sofisticado. Al final, “Ella es el partido” se acaba pareciendo mucho a la que, probablemente, fuera su referencia de cabecera: “Crueldad intolerable”, de los hermanos Coen. O sea, que no es para nada una mala comedia (una con chistes de vacas nunca puede serlo), pero quizá sea mejor que el Clooney director abandonase los proyectos de vanidad y se centrase en lo que tan bien hizo en sus dos primeros trabajos: contar el lado oscuro de la cultura popular norteamericana y dejar su ego fuera de la ecuación.