Grande, rojo y normalmente cabreado, Hellboy vuelve a las pantallas con la que tal vez sea la mejor película de superhéroes del verano.

El primer “Hellboy” era una película notable, pero dejaba la extraña sensación de que Guillermo del Toro la había concebido como una simple toma de contacto con el personaje creado por Mike Mignola. Faltaba algo, y ahora ya sabemos lo que era: que el director de “El laberinto del fauno” hiciera suyo al personaje, que lo apadrinara con todas las consecuencias. El prólogo de “Hellboy II: El Ejército Dorado”, con su recreación a través de marionetas de un cuento de hadas oscuro, demuestra que ese bache ya ha sido superado, pero es en secuencias como la del Mercado de Trolls cuando verdaderamente nos damos cuenta de que Del Toro ha conseguido, por fin, que entre sus proyectos personales y sus superproducciones para Hollywood no haya más que diferencias superficiales. Así, esta ejemplar cinta fantástica es un trabajo de amor, tan película de autor como su anterior trabajo.

La mudanza de Hellboy a los estudios de la Universal le ha permitido a su director cumplir un sueño de la infancia: rodar una película de monstruos en el templo de las películas de monstruos (en ese sentido, los homenajes a “Frankenstein” o “La mujer y el monstruo” no son caprichosos). Un muy reconocible –pese a las capas de maquillaje– Ron Perlman sigue siendo el alma y el centro de atención de una saga que amplía considerablemente sus horizontes, planteando una batalla entre el mundo real y el imaginario que, además, ofrece pistas sobre una apocalíptica tercera entrega. Hay nuevas incorporaciones (como la del volátil Krauss, con la voz de Seth “Padre de familia” MacFarlane) y secuencias espectaculares que recuperan la magia de los efectos especiales tradicionales, pero esta sigue siendo la historia de un monstruo brutal pero entrañable, alguien a quien su director quiere y entiende como nadie.

Aykut Erol es el responsable de que por fin podamos aprovechar al máximo el espacio de nuestra habitación sin sacrificar en lo más mínimo el diseño, de hecho, será lo más de lo más. Su propuesta, que lleva el nombre de Line (sencillo como el invento en sí), consiste en una base de metal que podemos adaptar según nuestras necesidades. Así que podemos tener, todo incluido, una lámpara, un perchero, una silla, estantería, base de televisión u ordenador, marco, y así hasta donde nos de la imaginación.

La Masa 2.0 aterriza en nuestras pantallas como confirmación de una posible edad de oro para el superhéroe cinematográfico en general, y para las películas Marvel en particular. Sin duda, el futuro es gamma.

Es posible que aún sea pronto para que nos demos cuenta, pero el primer vuelo de Iron Man en la gran pantalla fue el inicio de algo grande: por primera vez, una gran producción basada en un superhéroe relativamente desconocido por el gran público se convertía en un éxito rotundo. La película de Jon Favreau supuso, también, la primera piedra de una nueva y ambiciosa estrategia por parte de Marvel, empeñada en convertir sus adaptaciones cinematográficas en una versión más grande que la vida de su complejo universo tebeístico (ahí estaba, por ejemplo, ese Nick Furia anunciando lo que vendrá al final de los créditos). El siguiente paso era crítico y tremendamente peligroso: resetear uno de los grandes iconos en la memoria del aficionado, es decir, volver a estrenar un “Hulk” sin tener en cuenta la adaptación que Ang Lee filmó hace ya cinco años. Por fortuna, Marvel ha vuelto a dar en el clavo: es posible que “El increíble Hulk” no sea esa película de superhéroes definitiva que el estudio anhela, pero es un paso de gigante (verde) en la dirección adecuada.

Conviene dejar claro que esta nueva versión no supone una renovación radical de la que vimos en 2003, sino una suerte de secuela apócrifa en la que el director Louis Leterrier y el actor (¡y co-guionista!) Edward Norton pueden permitirse el lujo de resumir el origen del personaje en unos deliciosos créditos iniciales. Ambos manejan los mismos ingredientes que Lee en su blockbuster de autor, pero la mezcla es un poco distinta: se nota que Norton quiere profundizar en el arquetipo del doble oscuro, pero Leterrier y su soberbio olfato para la acción y el gran espectáculo acaban ganándole la partida. Para hacernos una idea, “El increíble Hulk” concluye con un sensacional festival de mamporros entre dos brutotes digitales, que utilizan Nueva York como su ring particular. Presencias secundarias de superlujo, guiños tamaño Abominación a los marvelitas y un epílogo prometedor acaban dando forma a un elegante blockbuster veraniego, aunque a la Casa de las Ideas aún le falte riesgo y locura para dar con la Gran Película Marvelita.

Se dice que la memoria es selectiva, pero aparte de eso estos días post Daydream estoy convencido de que también es imaginativa, como se dice a veces, te juega malas pasadas. Pues conmigo esta semana juega, así sin más. Porque por más que quiero volver al escenario Movistar para revivir el magnífico concierto de Radiohead (sin el uso de YouTube claro) me resulta imposible, y no porque no recuerde nada, sino porque se me escapan detalles y se pierden segundos e instantes, y no lo puedo soportar. Así que todo lo que viene a continuación puede que se parezca a la realidad o puede ser solo pura coincidencia.

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Los miembros de un jurado deben decidir si un joven es culpable o no del horrible crimen del que se le acusa. Hasta aquí, más o menos, llegan las similitudes con el clásico de Sydney Lumet: esto es “Doce hombres sin piedad” como nunca antes la habías visto.

El texto teatral de Reginald Rose, excelentemente canalizado en 1957 por un director y una docena de actores en estado de gracia, ya se ha convertido casi en una situación típica, en algo que un crítico pedante podría calificar de relato mítico de nuestro tiempo, pero que quizá no sea otra cosa más que un cliché. Así, hemos visto recreaciones de “Doce hombres sin piedad” en los lugares más insospechados: aquel episodio de “Los Simpsons” en el que Homer votaba ‘inocente’ para poder pasar una semana gratis en un hotel, un especial de navidad de “Veronica Mars”, incluso una celebrada parodia de “Muchachada Nui” con Paris Hilton. A estas alturas, cabría preguntarse si queda algo que añadir sobre el texto original. El veterano director ruso Nikita Mikhalkov, ganador del Oscar a la mejor película extranjera en 1994 por “Quemado por el sol”, opina que sí, pero no ha optado por el camino fácil: su remake, “12”, es un áspero drama psicológico al que conviene acudir preparado para vivir una experiencia algo extenuante.

Quizá en un arrebato de megalomanía, Mikhalkov expande las deliberaciones del jurado hasta llegar casi a los 160 minutos (el original de Lumet duraba hora y media), por no hablar de sus traiciones manifiestas a esa fundamental y única regla no escrita de “Doce hombres sin piedad”: que la acción no abandone nunca la sala donde se reúnen los protagonistas. No obstante, pronto queda claro que la intención no es, ni mucho menos, la fidelidad absoluta al texto de Reginald Rose, sino otra muy distinta: Mikhalkov se establece sobre el lugar común para hablar de lo que realmente le interesa, es decir, de la actual situación de su país, donde el miedo al inmigrante (en este caso, checheno), el terrorismo, la política y la compleja psicología de los personajes acaban siendo los temas principales de este concierto de cámara. “12” no está exenta de polémica (algunos críticos rusos la han tachado de pura propaganda pro-Putin), pero es una prueba bastante sólida de que aún se puede encontrar vida más allá del cliché.

Para todos los que os habéis interesado por esta nueva revista y estéis en Barcelona, mañana es su presentación oficial en la tienda Vinçon. Aquí os dejo la convocatoria. Y como la cosa va de presentaciones, ese mismo día a partir de las nueve de la noche, URBAN JUNKIES (site londinense que recién se estrena en Barcelona con sus newsletters diarias) organiza una fiesta en el Roxy Blue (Consell de Cent, 294) y se trae a Jodie Harsh a pinchar. Es necesario invitación, pero la podéis solicitar aquí. Ahí nos vemos.

Una screwball comedy que es, a la vez, un recorrido nostálgico por los orígenes del fútbol americano. ¿Dos universos antitéticos? No si el encargado de unirlos es George Clooney.

Pese a ser un director probadamente ambicioso, Clooney ha esperado hasta su tercera película tras las cámaras para construirse un proyecto de vanidad, un traje hecho a medida que resalte sus dotes como director y protagonista. El Dodge Conolly de “Ella es el partido” es, sin duda, un personaje que el actor nació para interpretar: suficientemente convincente como capitán maduro de un equipo de gañanes que ve cómo una joven estrella universitaria (John Krasinski) le empieza a quitar protagonismo… y a su chica (Renée Zellweger, que pone su delicadeza al servicio de una reportera arquetípica de la screwball comedy). Entonces, ¿es esta la película que Clooney nació para dirigir? Desgraciadamente, no: de hecho, se queda un paso por detrás del esplendor de “Confesiones de una mente peligrosa” y “Buenas noches, y buena suerte”.

Puede que el problema sea, precisamente, que la estrella de la saga “Ocean’s” no decidiera dejar el guión en unas manos con más experiencia en esto de dirigir comedia: su carisma frente a la pantalla está tan bien sintonizado como siempre, pero su talento para orquestar gags no está a la altura. Eso sí: los fans de la versión norteamericana de “The office” se congratularán al ver la consagración definitiva de Krasinski, que convierte su pelea con Dodge Conolly en un recital de humor físico increíblemente sofisticado. Al final, “Ella es el partido” se acaba pareciendo mucho a la que, probablemente, fuera su referencia de cabecera: “Crueldad intolerable”, de los hermanos Coen. O sea, que no es para nada una mala comedia (una con chistes de vacas nunca puede serlo), pero quizá sea mejor que el Clooney director abandonase los proyectos de vanidad y se centrase en lo que tan bien hizo en sus dos primeros trabajos: contar el lado oscuro de la cultura popular norteamericana y dejar su ego fuera de la ecuación.

Hace ya dos semanas que el australiano Scott Matthew se acercaba por aquí (Madrid y Barcelona) para presentar su recién estrenado primer álbum. Pero el tiempo o mejor dicho la falta de tiempo me ha impedido hablar de él hasta ahora. Y sin embargo, y con el concierto aún fresco en la memoria, no quiero dejar de hacerlo, pues su disco es una auténtica maravilla, un trabajo que suena frágil y poderoso a la vez, lleno de matices y pequeños detalles; pura orfebrería sonora de una belleza aplastante, de esa que solo un puñado de artistas es capaz de transmitir. Entre el folk y el pop de cámara, la música de Scott Matthew sana hasta los corazones más afligidos.

Desde que su álbum salió a la calle las comparaciones con Antony Hegarty no se han hecho esperar. Y no es extraño: ambos lucen unas pintas peculiares, tienen una voz tremenda que llevan al límite y que te pone la piel de gallina y sus canciones, introspectivas y delicadas, te llegan al alma. Y sin embargo sería injusto quedarse simplemente ahí, pues Scott Matthew aún en la misma órbita que Antony, brilla sin duda con luz propia. Tiene algo muy especial este chico australiano que marchó hace ya un tiempo a Nueva York a probar fortuna con la música, ese brillo en sus ojos le delata, ese saber estar delante del público, sus gestos y maneras. Emocionante es una palabra que se usa a menudo para referirse a las cosas más nimias, no debería ser así. Emocionante es estar en la Sala 3 de Razzmatazz con Scott Matthew y los suyos apenas a un par de metros de ti, emocionante es escuchar “In the end” o “Surgery” en un silencio sepulcral aunque la sala estuviese llena hasta arriba, emocionante es el chelo envolvente de “Habit”, el piano arrebatador de “Ballad dear” y “Abandoned”. Y su voz, esa voz a punto de romperse capaz de conseguir que se te haga un nudo en la garganta.

Scott Matthew es muy grande. Ya lo intuíamos cuando escuchamos sus canciones en la banda sonora de “Shortbus” pero ahora lo sabemos con toda seguridad.

Han tardado lo suyo pero por fin Cuatro se ha decidido a estrenar Dexter este mes de junio y nosotros lo celebramos. No solo por poder volver a disfrutar de nuestro serial killer favorito sino porque si hay una cadena que se caracteriza por tratar bien a sus series, esa es la de Sogecable. Pero Dex no vendrá solo, lo acompañarán Ugly Betty, Californication, Murder’s woman club y Cinco hermanos, aunque solo Betty y Dexter ocuparán un horario prime Time. por cierto, en una hora dan el final de House, no se olviden.

La periódica (e inevitable) ración para multisalas del genio de Maine supone una refrescante sorpresa para el incondicional del terror con enjundia.

Desde que adquiriese (por un dólar) los derechos del relato corto “The woman in the room” para rodar uno de sus primeros cortometrajes, el director Frank Darabont ha tenido una muy estrecha relación creativa con el escritor Stephen King, que dio sus mejores frutos en la ya clásica “Cadena perpetua”. Sin embargo, Darabont no había hecho otra cosa que actuar como traductor del King más suave: el terror, género con el que asociamos automáticamente al autor de “Carrie”, aún no había entrado en la ecuación. Hasta ahora, claro: “La niebla” es horror puro, transparente, honesto y muy eficaz, algo que ya empezábamos a echar de menos en las pantallas. Darabont se olvida por completo del clasicismo de “La milla verde” o “The majestic”, optando en su lugar por una aproximación áspera (esa cámara en mano demuestra que aprendió un par de trucos en su fugaz paso por la serie “The shield”) y un final que sienta como un verdadero mazazo en la cara.

Resulta extraño que una cinta de horror demuestre tanta habilidad para combinar unos monstruos de serie Z (¡tentáculos gigantes!) con un subtexto que es pura sutilidad e inteligencia de género. La novela corta de King, escrita en los años ochenta, era lo suficientemente abstracta como para funcionar en todos los contextos: ahora mismo, “La niebla” cinematográfica se lee como una metáfora política, en la que los supervivientes de una pequeña comunidad norteamericana se tienen que ocultar en un supermercado ante el avance de una niebla sobrenatural y llena de peligros extravagantes. No obstante, y como suele ocurrir en estos casos, el verdadero mal tiene un rostro más humano: concretamente, el de Marcia Gay Harden y su muy reconocible fundamentalismo cristiano. Suerte que tenemos de nuestro lado un héroe tan convincente como Thomas Jane, auténtica carta en la manga de una película sólida, inusual y dotada de una precisión atmosférica muy lograda. Definitivamente, Frank Darabont ha dejado de ser sinónimo del King sensiblero.